Empecemos

¡Bienvenido al Museo de Bellas Artes de Virginia o Virginia Museum of Fine Arts, VMFA! Esta audioguía te ayudará a comenzar el recorrido del museo y tiene como objetivo responder grandes preguntas sobre algunas de las obras de arte más populares de VMFA, como por ejemplo ¿quién es ese personaje? ¿Qué significa esta obra? ¿Por qué esto es importante? ¿Por qué se hizo? ¿Y cómo se hizo lo mismo?

Porque lo que piensas y experimentas es tan importante como la información que compartimos contigo, hemos incluido algunas sugerencias sobre cómo interactuar con las obras de arte que se presentan en esta guía. También puede haber imágenes o videos adicionales asociados con estas paradas, simplemente haz clic en los iconos de imagen o video para acceder a ellos.

Esperamos que escuchen algunas cosas nuevas, se conecten, experimenten, y se inspiren. ¡Empecemos!

Catfish Row (Fila de bagres), Jacob Lawrence

Esta pintura, titulada Catfish Row, en realidad puede estar vinculada a una ópera estadounidense que se llama “Porgy and Bess.”

Hay mucho que ver en esta pintura, entonces tómate un momento para simplemente pararte enfrente y ver todos los detalles. Ahora imagínate en esta escena. ¿Qué escuchas? ¿Hay música tocando? ¿Qué puedes oler? ¿Qué puedes probar? El artista, Jacob Lawrence, ha pintado esto de una manera que parece invitarnos a ser parte de la escena. Tal vez escuchaste el chisporroteo de la comida en la estufa y tal vez pudiste oler los puestos de mariscos frescos en primer plano. También puedes haber notado que los colores primarios como el del rojo, el azul, y el amarillo crean una energía vibrante y acelerada que quizás te hizo sentir y escuchar el ajetreo y el ruido de este mercado al aire libre.

El artista afroamericano, Jacob Lawrence, pasó los meses de junio y julio de 1947 viajando por ciudades del sur de los Estados Unidos para comprender cómo era la vida de los afroamericanos que vivían en el sur profundo. Observó todo, desde situaciones laborales a la vida familiar, hasta los entornos sociales. Como probablemente puedas ver por su inmersión en la escena de Catfish Row, Lawrence se sintió enormemente inspirado por todo lo que vio, escuchó, probó, y olió, lo que lo llevó a crear diez cuadros que destacan los lugares y las personas que lo inspiraron.

Walker Evans, un famoso fotógrafo y editor de la revista Fortune, le pagó a Jacob Lawrence por su trabajo. En aquel momento, Evans estaba escribiendo un artículo titulado “En el corazón del Cinturón Negro.” El Cinturón Negro era una región agrícola y principalmente afroamericana en Alabama y Mississippi. Evans quería que Lawrence, que estaba ganando fama por su representación moderna de la vida afroamericana, ilustrara el artículo con su estilo audaz y colorido. Al final, tres de las diez pinturas se publicaron con el artículo en 1948.

Tomando su título de Catfish Row en Vicksburg, Mississippi, esta pintura no fue una de las tres que aparecieron en la revista. Cuando hizo esta pintura, el lugar Catfish Row era un centro de comercio y viajes para Vicksburg, y siempre estaba ocupado: lleno de personas, carros, barcos de vapor, y trenes.

Se ha dicho que “¡El Delta del Mississippi comienza en el lobby del Hotel Peabody en Memphis, Tennessee y termina en Catfish Row en Vicksburg!”

Catfish Row también es el nombre del edificio de viviendas de Charleston, Carolina del Sur, en “Porgy and Bess,” una ópera de 1935 escrita por los compositores Ira y George Gershwin. Esta ópera fue la primera producida en Estados Unidos que destacó la vida afroamericana contemporánea. Cuando se estrenó en Nueva York, contó con un elenco afroamericano.

Wall Drawing #541 (Dibujo en la pared # 541), Sol LeWitt

Por extraño que parezca, ¡esta es la segunda vez que esta obra de arte fue pintada en la pared del VMFA!

El artista, Sol LeWitt, es conocido como uno de los fundadores del Arte Conceptual. Pero, ¿qué es exactamente el arte conceptual y qué significa conceptual en este caso? Un concepto es una idea, y arte conceptual tiene que ver con la idea que hay detrás de la creación, tanto que la idea es aún más importante de lo que parece ser la obra de arte. Porque la atención se centra en la idea y no en el producto final, el arte conceptual puede aparecer un poco diferente de otras obras de arte, y no siempre se parece a lo que mucha gente cree que debería ser el arte. Lo que hace que este sea un buen momento para preguntar: ¿Llamarías a esto arte? ¿Cuál crees que pudo haber sido la idea detrás de esta pieza?

El título de este trabajo es “Wall Drawing # 541” o “Dibujo en la pared número 541”, y la idea de Sol LeWitt fue crear formas 3D en una superficie plana. Quería que pareciera que estos cubos se estaban moviendo hacia el espacio o que se movían de la pared hacia ti. ¿Crees que funcionó?

Cuando LeWitt vende un dibujo en la pared, el comprador recibe un pedazo de papel que afirma que la Idea es un original de Sol LeWitt. Luego se contrata a personas para que sigan las instrucciones e instalen, o en este caso, lo pinten en la pared.

LeWitt lo pensó así: vió que su proceso artístico estaba más en línea con el de un compositor de música. Un compositor escribe una pieza musical, pero es la sinfonía u orquesta que la interpreta, y puede ser interpretada varias veces. También es parecido al trabajo de un arquitecto que dibuja y diseña los planos de un edificio, pero no es él que los construye.

Aunque los dibujos están hechos de instrucciones precisas, LeWitt observó que “cada persona dibuja una línea de manera diferente y cada persona entiende las palabras de manera diferente”. Entonces, cuando se siguen las mismas direcciones, ¡ese resultado final puede ser una obra de arte única! Lo que es similar a la forma en que vemos el arte: lo que ves y piensas puede no ser lo mismo que lo que otra persona ve y piensa.

Este trabajo ya se ha instalado dos veces en VMFA, más recientemente para renovaciones de galerías en 2009 y siguiendo las mismas instrucciones que se usaron en su instalación original.

Campo de amapolas, Claude Monet

Tome un buen tiempo para considerar esta obra, Campo de amapolas, Giverny, del artista Claude Monet. Imagínese transportado a la escena. ¿Cómo se sentiría? ¿Qué escucharía, vería e incluso olería a su alrededor?

Este estilo de pintura se conoce como impresionismo, un movimiento artístico popular y familiar para muchos amantes del arte en la actualid. ¡Quizás Usted sea uno de sus admiradores! Para los que lo miran hoy en el siglo veintiuno, el impresionismo frecuentemente evoca imágenes de hermosos paisajes iluminados por el sol; gloriosos jardines y estanques de nenúfares; y parisinos elegantes disfrutando de la vida en encantadores cafés. Sin embargo, en 1874, cuando los hombres y mujeres que serían conocidos como los impresionistas exhibieron su trabajo por primera vez, fue un periodista, burlándose de una pintura de Claude Monet titulada Impresión, amanecer, quien llamó su estilo “Impresionismo”. Aunque la intención de este nombre originalmente fue insultarlos, luego fue abrazado y adoptado por los propios artistas.

Pero, ¿por qué al público del siglo diecinueve inicialmente le pareció tan desagradable el impresionismo? Mucho de esto tenía que ver con las técnicas de los impresionistas. Las pinturas con pinceladas visibles, colores brillantes y una apariencia inacabada, como un boceto, eran extrañas para los espectadores de arte de la época. La elección del tema de los impresionistas también escandalizó a la gente. Sus representaciones de la vida cotidiana y de personas de todas las clases sociales rompieron los límites del mundo del arte tradicional y algunos las consideraron inapropiadas e indignantes.

Sin embargo, cuando se pintó Campo de amapolas, Giverny en 1885, el impresionismo se había volvido más popular. De hecho, incluso los espectadores más progresivas, como el artista Paul Gauguin, cuya obra está colgada aquí cerca, comenzaba a verlo como demasiado convencional. Los mecenas y coleccionistas estadounidenses fueron atraídos por el estilo impresionista y jugaron un papel importante en convencer a los mecenas franceses conservadores de que valía la pena coleccionar las obras y patrocinar los artistas del impresionismo. Campo de amapolas, Giverny fue comprado en 1886 por un estadounidense, Alden Weyman Kingman, lo que lo convirtió en una de las primeras obras de Monet en ser adquirida por un coleccionista estadounidense.

Aunque esta pintura se realizó en un momento en que Monet estaba experimentando un éxito comercial, muestra su enfoque innovador para capturar el mundo que lo rodea y muestra algunos de los aspectos revolucionarios del impresionismo. Preste atención a las pinceladas individuales en capas que le dan a la pintura una sensación de atmósfera, movimiento y textura. Observe los trazos repetitivos utilizados para crear los campos y el cielo, y la raya azul en el horizonte que da el efecto de una perspectiva que se aleja. Considere también la forma en que Monet dividió el lienzo. No sigue la convención de la época, que era un cielo nublado dramático que consumía dos tercios del lienzo. En cambio, Monet tomó la decisión de dividir esta escena en tres segmentos horizontales iguales: primer plano, plano medio y fondo.

Además del lado técnico, esta pintura también nos da un vistazo a un espacio muy personal: la propia casa de Claude Monet. Después de encontrar el éxito y la aceptación en París, Monet se retiró al campo a propósito, en busca de una conexión más profunda con la naturaleza. En abril de 1883, se mudó a una casa de estuco rosado en Giverny, un pueblo agrícola rural en Normandía, Francia. La casa, pintada aquí con cariño, se llamó Le Pressoir, que significa “la prensa”, en honor a la prensa de sidra que una vez funcionó en la propiedad. Esta casa se quedó como el centro de los esfuerzos creativos de Monet por el resto de su vida, y era visitada con frecuencia por otros artistas, periodistas y amigos. A lo largo de cuarenta y tres años, Monet, quién tenía una pasión por jardinería, transformó la casa y su entorno. Con su cuidado, la pequeña parcela agrícola floreció hasta convertirse en una escena inspiradora. Había espacios interiores brillantes y coloridos y exquisitos jardines de flores y agua, incluido un estanque de nenúfares que él hizo en desviar un arroyo cercano. La propiedad y sus alrededores, en sí mismos, eran obras de arte, y proporcionaron a Monet una gran inspiración artística.

En el verano de 1885, solo dos años después de mudarse a la casa, Monet instaló su caballete en un campo que le dejaba ver la casa y la amplia y colorida extensión de un campo de amapolas adyacente. Campo de amapolas, Giverny fue una de las cuatro pinturas que pintó de esta vista ese verano.

Imagine por un momento que usted sea Monet, pinceles y pintura en mano, contemplando el amplio paisaje que hay ante usted. Como impresionista, le fascina capturar la luz y usar el color para pintar momentos presentes y fugaces de la forma en que usted, como individuo, los percibe. Mirando esta escena, puede ser que esté considerando el movimiento y la vitalidad de las amapolas rojas; los colores cálidos de la casa de estuco; el campo enorme; y la manera en que los árboles de verde oscuro se alternan con los campos verdes más brillantes hasta que el horizonte se encuentra con el cielo gris melancólico. ¿Cómo tomaría todas estas observaciones y transferirlas a un lienzo, dando a los espectadores la oportunidad de ver la escena a través de sus ojos?

Le invitamos a seguir explorando esta galería. Mientras observa, tal vez notará algunas similitudes con Campo de amapolas Giverny. Como Claude Monet, sus compañeros impresionistas aplicaron pintura de manera experimental mientras trabajaban para presentar momentos específicos en el tiempo tal como los percibían. Pero cada artista tenía su propia forma de lograr este objetivo, y las obras de arte de esta galería reflejan sus métodos diferentes. Como ya hizo con este cuadro, póngase en el lugar de estos artistas. ¿Qué percibe usted en las escenas alrededor de esta habitación?

Imperial Tsarevich Easter Egg (Huevo Imperial Tsarevich), Fabergé firm

Es fácil distraerse por los hermosos e intrincados que son estos huevos. Pero espera, hay más, ¡porque cada huevo tiene una sorpresa!

Este huevo adornado, conocido como un Huevo Imperial Fabergé, fue creado por la firma Fabergé en San Petersburgo, Rusia. La empresa fue fundada en 1842 por Gustav Fabergé. Su hijo, Karl Fabergé, convirtió a la pequeña compañía de su padre en un gran éxito internacional.

En la tradición rusa, se dieron huevos decorados para celebrar la festividad cristiana de la Pascua. El zar ruso Nicolás II les regaló huevos a su esposa y su madre casi todos los años entre 1894 y 1916. Este huevo fue dado a la esposa del zar, la emperatriz Alexandra, el domingo de Pascua de 1912.

Como estos huevos son tan complejos y detallados, es interesante pensar en cómo la firma Fabergé los habría creado. Imagina por un instante que tengas la tarea de hacer un Huevo de Fabergé: ¿por dónde empezarías? ¿Qué tipo de materiales crees que podrías necesitar? ¿Qué harías para montarlo?

Este huevo está hecho para parecer que está tallado en una sola pieza de una piedra azul brillante que se llama lapislázuli, pero en realidad tiene seis secciones de piedra. Los lugares donde las piezas se unen están ocultos bajo todas las decoraciones de oro.

¿Puedes ver las águilas de dos cabezas en oro? Esos son los símbolos de la Rusia imperial.

Todos los huevos de Fabergé ocultan una sorpresa especial, y si miras al lado de este, verás lo que estaba escondido en su interior: es un retrato del hijo de ocho años del zar Nicolás y la emperatriz Alexandra, Alexei, conocido como el Tsarevich.

El retrato de doble cara se eleva lentamente en una plataforma especial de oro cuando se abre el huevo. La pequeña pintura se encuentra en un marco rodeado de diamantes que forman un águila con dos cabezas que descansa sobre un pedestal de lapislázuli. ¡Si volteas el retrato, puedes ver que el artista pintó el otro lado de la cabeza de Alexei!

Este huevo tenía un significado muy especial para la emperatriz Alexandra. Poco después de que Alexei naciera en agosto de 1904, sus padres descubrieron que había heredado la hemofilia, una enfermedad rara de la sangre y, a veces, mortal. Nicholas y Alexandra mantuvieron en secreto el estado de Alexei al pueblo ruso por temor a que esta amenaza al heredero del trono debilitaría la estabilidad del país.
Para aprender más sobre los huevos de Fabergé, puedes ir a la pantalla grande más cercana y tocarla para encontrar más información.

Septimius Severus (Septimio Severo), Roman

Este es Septimio Severo. Tal vez no es evidente al verlo, pero en realidad está formado por partes que no provienen del mismo período.

¡Es verdad! Aunque la cabeza es un retrato antiguo del emperador romano Septimio Severo, ¡el resto de la escultura no lo es! ¡¿Entonces qué pasó?! Esta es una historia que nos obliga a retroceder en el tiempo varios años.

Septimio Severo fue un emperador romano que gobernó hace más de mil ochocientos años, entre los años 193 y 211. En algún momento de la historia, la cabeza de la escultura que está frente a ti fue separada del resto de su cuerpo escultórico. No estamos seguros de cómo, por qué, cuándo, ni dónde fue el resto del cuerpo original de la escultura del Emperador.

Lo que sí sabemos acerca de la cabeza de Septimio Severo es que, en los años 1600, terminó en la colección de un hombre que se llamaba Vincenzo Giustiniani. Este era un hombre que admiraba mucho el arte de la antigua Grecia y Roma, y coleccionó miles de esculturas para poder exhibirlas en la galería de su palacio.

Muchas esculturas antiguas muestran el desgaste de su edad (piezas rotas o faltantes) y Giustiniani realmente prefirió exhibir esculturas completas en su galería. Para hacer esto, contrató a artistas expertos que combinaron fragmentos de esculturas antiguas – como la cabeza de Septimio – en partes que ellos mismos esculpieron para hacer esculturas completas.

Tómate un tiempo para examinar a Septimio. Camina alrededor de él. ¿Puedes descubrir las áreas donde ha sido reconstruido?

También lo examinamos a fondo, y al estudiarlo de cerca y repasar lo que Giustiniani escribió, nos dimos cuenta de que esta escultura no era 100% antigua. Pero aquí estaba el problema, nos costaba entender cuáles partes eran antiguas y cuáles eran las más modernas. Así que el museo decidió hacer una serie de pruebas científicas para llegar al fondo de este misterio. Al estudiar y probar el tipo de mármol utilizado en cada parte de la escultura, recibimos suficiente información para ayudarnos a sacar algunas conclusiones sobre cuándo se juntaron las diferentes piezas y de qué período de tiempo pueden provenir las piezas.

Entonces esto es lo que encontramos: los artistas de Giustiniani tomaron una antigua cabeza de Septimio Severo y la combinaron con un fragmento de un cuerpo antiguo de otra escultura. Desafortunadamente, no sabemos mucho acerca de la escultura original de la que proviene el cuerpo. Las partes más modernas que los artistas esculpieron y agregaron en el siglo XVII fueron las piernas, los brazos, y las otras piezas faltantes. También se hicieron adiciones a esta escultura alrededor del año 1900.
Una vez que terminamos con toda la investigación, los conservadores limpiaron y arreglaron a Septimio para que se viera igual a cuando estuvo en la galería del palacio del siglo XVII de Giustiniani. Y fíjate, ¡incluso agregamos un nuevo dedo índice en su mano derecha! ¿Qué piensas? ¿Encontraste alguna de sus marcas de cirugía?

El hallazgo del Laocoonte, Hubert Robert

Tome un momento para mirar la escena de esta pintura. Tal vez esté observando la arquitectura abovedada con poca luz. Quizás esté notando el piso de tierra y los pilares agrietados. Parece algo ruinoso pero lleno de gente al mismo tiempo.

Esta pintura captura el emocionante momento de la historia cuando una famosa y antigua escultura fue descubierta. Sin embargo, la escena que se muestra aquí no es cómo ocurrió realmente el hallazgo. El artista francés Hubert Robert tomó la decisión deliberada de poner el evento en una ruina poblada durante la época de su propria vida, a finales del siglo dieciocho, aunque el descubrimiento real tuvo lugar en un viñedo en 1506. Pero, ¿por qué tomaría esta decisión? La década de 1700 fue una época en la que los europeos estaban redescubriendo la Edad de Oro de la Antigua Grecia y Roma. Establecer su escena en esta era en un palacio grandioso, pero indigente, le permitió a Robert subrayar el descubrimiento de la escultura como una fuente importante de inspiración para los europeos modernos.

Se cree que la escultura fue hecha alrededor del año 200 a. C., y a pesar de que no se descubrió hasta 1506, muchos artistas ya la conocían a través de la escritura del primer siglo del naturalista romano Plinio el viejo. Plinio, habiendo visto la escultura con sus ojos, la describió como “una obra preferida a todas las demás, ya sea en pintura o escultura”. Poco después del descubrimiento de la escultura, el Papa Julio II la trasladó y la exhibió en el Vaticano, donde todavía se encuentra hoy.

Pero, ¿quién y qué es el sujeto de esta escultura? Una mirada más cercana a la pintura revela que la escultura tiene tres figuras que luchan contra el ataque de grandes serpientes. La figura mayor es el sacerdote troyano Laocoonte, y las figuras más pequeñas son sus dos hijos. Su historia está contada por el poeta romano Virgilio en su famosa obra La Eneida, que sigue a Eneas, un antepasado de los Romanos, en sus aventuras después de la Guerra de Troya.

Según la Eneida, Laocoonte advirtió a los Troyanos que no aceptaran el regalo de los Griegos de un caballo de madera. En el Libro II de la Eneida, dice: “Todavía temo a los Griegos, mismo cuando ofrecen regalos”. Para su advertencia, Laocoonte fue atacado por serpientes enviadas por la diosa Atenea, aliada de los Griegos.

Ahora regresemos a la pintura. El edificio imaginario que tiene un estilo de basílica de Hubert Robert está animado con trabajadores y espectadores. La escultura descansa en un rayo de luz no lejos de un agujero cuadrado en el suelo, insuando que acaba de ser arrancada de la tierra. En el primer plano de la pintura, las esculturas de bronce acechan en las sombras entre los pilares como si estuvieran observando la acción. A pesar de ubicar la escena en un ambiente imaginario en su propia época, Robert decidió incluir al artista renacentista Miguel Ángel, quien supuestamente llegó, a pedido del Papa Julio II, al sitio real del descubrimiento de la escultura. Mire de cerca y verá a Miguel Ángel a la derecha de la escultura, parado en la base de las escaleras. Está envuelto en una capa e inclinado hacia adelante sobre su bastón para examinar la obra maestra.

Principalmente un pintor de paisajes, Hubert Robert pintó con frecuencia representaciones de ruinas romanas en un entorno idealizado. Esto le ganó el apodo “Robert des Ruines”, que se traduce como “Robert de las ruinas”. Pero él no era el único en este momento que estaba fascinado por los lugares donde las ruinas antiguas se mezclaban con la vida moderna. Los descubrimientos de las antiguas ciudades romanas de Erculano en 1738 y Pompeya en 1748 despertaron un interés renovado por el arte clásico y un fervor por todo lo antiguo, provocando que turistas y artistas acudieran a locales como Roma. Esta era la Época de la Ilustración. Hubo un enfoque en los principios de la razón, la racionalidad y el individualismo, que eran cualidades admiradas en el arte y la literatura de la antigua Grecia y Roma. El escenario de Hubert Robert para esta pintura encarna la admiración por las tradiciones clásicas y la ambición de su época.

El Hallazgo del Laocoonte fue una vez propiedad del conde de Vaudreuil, un gran coleccionista de arte. El retrato de Vaudreuil, pintado por Elisabeth Vigée-Lebrun, está colgado aquí cerca. ¡Le invitamos a echar un vistazo!

Willem van Heythuysen, Kehinde Wiley

El artista de esta pieza, Kehinde Wiley, es el mismo artista que pintó el retrato oficial del presidente Barack Obama, que fue develado en 2018.

Para encontrar sujetos para sus pinturas, a menudo Wiley usa un proceso que él llama “casting callejero.” Wiley para a la gente en la calle y los invita a estar en una de sus pinturas. Parece bastante simple, ¿no? Pero Wiley ha dicho que él busca a “personas que poseen cierto tipo de poder en las calles.”

Una vez que él tiene el “elenco” de la pintura, necesita decidir cómo se verá la pintura, y aquí es donde el sujeto de su trabajo tiene una mano directa en la forma en que será representado. Juntos, él y su modelo miran en un libro de historia del arte y eligen una obra como inspiración para la pintura. El modelo de Wiley se presenta como la figura en la pieza de inspiración. Los modelos de Wiley también pueden elegir la ropa con la que el artista los pinta. Así que, aunque no sabemos el nombre del caballero que aparece en la imagen, sí sabemos que era así que quería que se lo representara. Si fueras a ser inmortalizado en una pintura, ¿qué te gustaría llevar? ¿Cómo te gustaría posar? ¿Alguna idea de qué obra de arte puedes elegir como inspiración?

La pieza elegida como inspiración para esta pintura fue pintada por el artista holandés Frans Hals en 1625. “Willem van Heythuysen” es el nombre del rico comerciante holandés cuya imagen fue pintada por Hals y también es el nombre que Wiley usa para el título de su pintura. En la pintura de Hals, se muestra a van Heythuysen con un conjunto negro, un collar de encaje y una espada. El sujeto de Wiley está claramente más cerca de nuestro tiempo y lugar, como se puede ver en su conjunto de Sean John y sus botas Timberland. Tómate un segundo para ponerte en la misma postura que este hombre. ¿Cómo te sientes? ¿Qué te dice su expresión facial? ¿En qué podría estar pensando?

El fondo que Wiley ha pintado definitivamente merece una mención. Es posible que hayas notado los lujosos diseños florales dorados y la forma en que toman una vida propia, interactuando con el sujeto por rodear su pierna.

Con la espada en la mano, este anónimo hombre afroamericano mira al espectador con orgullo. Está entrando en la larga tradición del retrato europeo y estadounidense, una tradición exclusiva que no brindó la oportunidad de mostrar a las personas de color en posiciones de poder.

¡Con pinturas como esta, Kehinde Wiley se ha propuesto escribir de nuevo la historia del arte!

Jaguar, Moche

Aunque este objeto es pequeño, es muy importante. ¡Este pequeño jaguar de oro es uno de los ocho conocidos en el mundo hoy en día! VMFA tiene dos de ellos, ¡y se hacen compañía en las galerías!

Míralo más de cerca. ¿Alguna pregunta o curiosidad aparece en tu cabeza cuando lo miras? Quizás te estés preguntando quién hizo este jaguar. ¿O cómo se podría haberlo hecho? ¿O para qué podría servir?

No sabemos el nombre de la persona que lo hizo, pero sabemos que este jaguar fue hecho por alguien de la cultura Moche de Perú en América del Sur. Los moche vivían en una parte del desierto a lo largo de la costa en el norte de Perú entre los años 100 y 800.

Una cosa muy interesante es que probamos los metales de ambos jaguares en nuestro laboratorio de conservación, y descubrimos que ambos jaguares están hechos de casi la misma mezcla de metales: aproximadamente el 80% de oro; 10% de cobre; 7% de plata; y 2% de níquel. Esta evidencia, combinada con las similitudes de los otros jaguares de colecciones de todo el mundo, muestra que todos fueron creados por el mismo taller, tal vez incluso por la misma persona.

Míralo de cerca de nuevo. ¿Puedes ver los pequeños huecos en el rabo? Esto podría significar que una vez fue ensartado en un hilo con algo, posiblemente junto con los otros 7 jaguares. Tal vez todos estuvieran unidos para hacer un pectoral o collar, que se habría llevado en el pecho de una figura muy importante en la sociedad moche.

Podría haber sido usado por un importante cacique o chamán. Se cree que los chamanes tenían contacto con el mundo de los espíritus y eran personas muy importantes para los moche.

El jaguar es el depredador más grande y feroz de esta área de Sudamérica. Son fuertes y adaptables a diferentes entornos, y son capaces de nadar, escalar, y correr. Por eso, son símbolos muy poderosos, especialmente para los guerreros.

Míralo una vez más antes de que nos vayamos. ¿Puedes ver dónde el oro fue marcado en la parte posterior para representar el pelaje manchado de un jaguar? ¡Para una figura tan pequeña, hay mucho que ver!

Ndebele Design (Diseño de Ndebele), Esther Mahlangu

Esta artista, Esther Mahlangu, no solo pinta murales. ¡También ha transformado un BMW Sedan en un BMW Art Car único y colorido!

En 2014, VMFA contrató a la artista sudafricana Esther Mahlangu para pintar una puerta de entrada para la galería africana con estos dos impresionantes murales.

Mahlangu es una de las artistas más conocidas de la gente de Ndebele en Sudáfrica.

Estas obras son enormes, coloridas, y expresivas. Date un momento para mirarlas. Ahora, sin pensarlo demasiado, elige una de ellas. Párate frente a la que elegiste y date un poco de tiempo para absorber todos los detalles. Pasa un poco de tiempo con los estampados, formas, y colores. ¿Qué te llama la atención? ¿Cómo se mueve tu ojo alrededor del mural? ¿Por qué elegiste el mural que elegiste? ¿Qué te atrajo a uno más que al otro?

Entre los Ndebele, es costumbre que las mujeres pinten sus hogares con diseños brillantes, audaces, y geométricos. Esther Mahlangu aprendió a pintar con su madre y su abuela de niña, en la década de 1940. Los tipos de patrones y diseños que pinta son una expresión de la identidad de Ndebele, y son similares a los patrones que se encuentran en la ropa y las joyas con cuentas de Ndebele.

Después de participar en una gran exposición en París, Mahlangu obtuvo éxito internacional y comenzó a expandir su trabajo: ¡pintando murales, lienzos, e incluso autos! En 1991, BMW le pidió que pintara un automóvil como parte del proyecto BMW Art Car, y fue la primera mujer y la primera artista no occidental en participar. En 2016, BMW le contactó otra vez, esta vez para detallar el interior de un auto.

Mahlangu ha transmitido la tradición de la pintura de Ndebele a los miembros más jóvenes de su familia, incluida su nieta, Marriam, que ayudó con el Proyecto VMFA. El trabajo de Mahlangu no comienza con un boceto como muchos artistas; sus piezas cobran vida directamente de una imagen en el ojo de su mente. Y lo creas o no, ni siquiera utiliza herramientas convencionales para crear sus diseños intrincados.

Sus técnicas varían desde usar una única pluma de pollo para grabar una línea fina hasta grupos de múltiples plumas y pinceles de artista para las áreas más amplias de color.

Muchos de los murales de Mahlangu fueron pintados directamente en paredes que desde entonces han quedado pintadas. Así que algunos de sus proyectos murales más importantes ahora solo existen en fotografías. Para asegurarse de que sus trabajos aquí en VMFA sobrevivan durante muchos años y, a través de cualquier posible cambio de galería, Esther pintó estos paneles en lienzos y no directamente en la pared.

Butterfly Whorl (Rueda de huso de mariposa), Susan Point

A primera vista, este objeto parece ser algo pero al investigar de cerca, revela más. Enfoca en los diseños intrincados y estilizados. ¿Qué notaste? La imagen central simplemente parece ser una mariposa, ¿verdad? Pero mira más de cerca. ¿Te fijas en las otras figuras? ¡Esta mariposa está hecha de seis colibríes!

Este objeto se basa en una rueda de huso. Se utiliza un huso para retorcer e hilar lana u otras fibras en hilo. Este hilo puede ser usado para tejer prendas o mantas ceremoniales. Y una rueda es un disco de madera que actúa como un peso sobre el huso, permitiendo controlar y cambiar la velocidad del giro. Las ruedas de huso reales tienen un agujero en el centro donde se deslizan sobre el huso. Pueden variar en tamaño desde 10 a 20 centímetros de diámetro.

Esta talla fue realizada por la artista contemporánea Susan Point, miembro de la tribu Coast Salish que vive en la costa noroeste de América del Norte, incluyendo Vancouver, la isla de Vancouver, y el norte del estado de Washington. Los espirales de Coast Salish a menudo están tallados con imágenes que representan a la familia a la que pertenecen. Cada familia tiene animales que simbolizan la pertenencia a un clan o grupo específico. Estos se llaman animales de cresta, y la mariposa es uno de los animales de cresta para el clan de Susan. La mariposa también es importante en muchas culturas de la Costa Noroeste por su aparición en historias de creación conocidas como cuentos de cuervo, llamados por el cuervo, el personaje principal. En estas historias, una mariposa a menudo actúa como compañera, exploradora, y portavoz del cuervo, además de ayudarlo a encontrar comida. El diseño de esta rueda de huso particular fue inspirado en una tarde tranquila que la artista pasó en su propiedad observando aves y mariposas.

Muchos artistas nativos de hoy en día mantienen la tradición mientras se expanden en nuevos horizontes. Point eligió trabajar con un patrón de diseño y forma tradicional que recalca la rica historia del tejido de la gente Coast Salish. El tejido es tradicionalmente hecho por mujeres, pero Point lo hace a través del uso de tallado, que, en su cultura, es tradicionalmente realizado por hombres.

La talla de la gente de Coast Salish normalmente se realiza a gran escala, como tótems y postes de casas. Point no solo es una de las pocas mujeres de Coast Salish que esculpen, sino que también esculpe en esta increíble escala, inventando espirales de gran tamaño para mostrar el intrincado trabajo realizado por las mujeres en su cultura. Las mujeres de Coast Salish tienen un estilo distintivo de tejido, usando lana de cabra de montaña, aves acuáticas, y algodón de chamerion angustifolium (fireweed, una flor de la región). Usaban lana de una rara raza de perro que no existe más.

Muchas culturas en todo el mundo utilizan el huso y la rueda, pero las ruedas de huso grandes y decorativos parecen ser únicos para los habitantes de Coast Salish. Estos espirales fueron tallados con diseños en el lado que daba a la hilandera para que ella viera los diseños mientras trabajaba. Cuando la rueda giraba, los diseños se esfumaban, hipnotizando a la hilandera. Este estado de trance se consideró vital para el proceso: le otorgó a la tejedora la capacidad de crear textiles con poderes especiales. Los diseños en la rueda podrían indicar purificación y podrían haber significado la importancia de la rueda del huso en la transformación de la lana en riqueza, ya que las mantas eran símbolos de riqueza.

Coffin and Mummy of Tjeby, Egyptian

¡Esta momia es de un hombre que se llama Tjeby (“Chebi”) que vivió en el antiguo Egipto hace casi 4000 años! Y escucha esto: ¡tenemos una idea de cómo se vería! Pero primero, charlemos de las momias.

Los antiguos egipcios momificaron a sus muertos, porque creían que después de que las personas mueren en este mundo, continuaban viviendo en otro mundo. Por lo tanto, los cuerpos se conservaban o protegían mediante la momificación, lo que era un proceso muy largo y costoso que no todos podían pagar. Las momias eran envueltas y colocadas en ataúdes y enterradas en tumbas. Los hechizos y las instrucciones especiales a menudo se escribían en jeroglíficos en los ataúdes y en las tumbas para proteger a la momia y evitar el mal. Los amuletos protectores, similares a los amuletos de la buena suerte, también se envolvían a veces con la momia.

Lo que se puede ver de Tjeby dentro del ataúd es el envoltorio de lino que rodea a su cuerpo momificado. Encima de este envoltorio de lino hay una malla delgada para su protección, porque Tjeby es muy frágil. Recuerda, él tiene 4000 años. Si miras de cerca en el ataúd, notarás que hay un espejo largo y delgado. Esperemos que esto te ayude a verlo un poco mejor.

Es difícil no mirar a una momia, pero si miras el exterior de su ataúd de madera, notarás que la tapa y el cofre están decorados con jeroglíficos, una de las primeras formas de escritura. Estos jeroglíficos están ahí para registrar el nombre y los títulos de Tjeby: Conde y Portador del Sello del Rey del Bajo Egipto. Estos jeroglíficos también incluyen oraciones para proteger a Tjeby en el más allá.

¿Notas algo más sobre la manera en que su ataúd está decorado? Quizás te diste cuenta de que hay dos ojos que están pintados en el lateral. Usando el espejo, si te das otra mirada a Tjeby, puedes notar que está descansando sobre su lado izquierdo. Estos ojos pintados se alinean con su cabeza; están allí para que Tjeby pueda mirar a través del ataúd. ¿Estás parado en la línea de sus ojos?

Naturalmente, el museo quiso saber más sobre Tjeby, pero, por supuesto, no quisimos dañar su cuerpo ni las envolturas de lino. Entonces, en 2013, Tjeby tuvo una tomografía computarizada para que pudiéramos estudiar su cuerpo sin desenvolverlo. Una tomografía computarizada es como una radiografía muy detallada, y nos permitió aprender más sobre cómo podría haber sido su vida. Aunque no sabemos cómo murió, al observar más de cerca sus huesos, supimos que estaba bastante sano, no tenía indicios de enfermedad. También podríamos decir que medía aproximadamente un metro 73 y que tenía alrededor de 30 años cuando murió. Con los resultados de la tomografía computarizada, los científicos pudieron imprimir una versión tridimensional de su cráneo. ¡Luego usaron este modelo para crear una imagen de Tjeby como se pudo haber visto hace casi 4000 años! Puedes ver este modelo y algunas de las imágenes de tomografía computarizada en la vitrina frente a Tjeby.

Bactrian Camel (Camello bactriano), Chinese

Imagínate caminar 40 kilómetros por día, a través del desierto, mientras llevas 180 kilos en tu espalda. ¡Los camellos bactrianos, como este, eran conocidos por hacer precisamente eso!

Creada hace más de 1.000 años, esta escultura de un camello bactriano, o de dos jorobas, era parte de un sepulcro en la antigua China.

Los antiguos chinos creían en la vida después de la muerte, así que enterraban a sus muertos con elementos que creían que serían necesarios en el más allá. Figuras, modelos de animales, y artículos para el hogar fueron hechos específicamente para acompañar a los fallecidos en sus tumbas.

Este camello, y otros objetos parecidos, habrían sido muy caros de comprar. Así que solo los ricos habrían podido permitirse ser enterrados con ellos. Tal vez el propietario de la escultura se ganaba la vida con el comercio a lo largo de la Ruta de la Seda, que era una serie de rutas comerciales que cubrieron más de 6400 kilómetros y unieron China con Asia Central, Asia del Sur, Europa, y partes de África. Esta escultura puede haber sido colocada en la tumba con la esperanza de que el fallecido continúe viajando a lo largo de la Ruta de la Seda en el más allá.

Traídos a China desde Asia Central, los camellos eran muy importantes para los antiguos chinos porque están especialmente adaptados para lidiar con el clima en el desierto de Gobi, donde podría hacer mucho calor durante el día y mucho frío por la noche.

Míralo muy bien a este camello. Notarás que hay un paquete entre las dos jorobas del camello. Los camellos podrían transportar hasta 180 kilos de mercancías y paquetes, como el que se ve en este camello. Podría incluir artículos como seda, especias, papel, y armas.

Tómate un momento para pasear alrededor del camello. ¿Qué ves en su mochila? ¿Qué crees que podría estar dentro que no podemos ver? Si fueras a realizar un largo viaje a través del desierto montado sobre un camello, yendo 40 kilómetros por día, ¿qué te gustaría empacar?

Las características que se encuentran en esta escultura son bastante naturalistas, o fieles a la vida real. Mira de cerca y probablemente notarás las gruesas cejas y los pies acolchados del camello, que ayudan a proteger a los camellos de la arena del desierto y el terreno rugoso.

Garden Pavilion (Pabellón de jardín), Indian

No lo parece, ¡pero este pabellón de jardín de mármol pesa más de 26.000 kilos! Eso es casi 27 toneladas o 50.000 libras. Eso es más o menos cuanto pesan 5 elefantes asiáticos. Pero dejémonos de pensar en el peso por un momento.

Imagínate que ya no estás en el VMFA. Mejor imagínate que estás dentro de este pabellón de jardín en la cima de su gloria, que te sitúa en la India alrededor del siglo XIX. Imagínate caminando por un jardín colorido y fragante para llegar al pabellón. Hace calor afuera, y con el sol tan brillante, quizás tengas algo de sudor que gotea por tu frente. Desde el interior del pabellón escuchas los sonidos relajantes del agua y miras a través de las cortinas colgantes de tela hermosa para ver un pequeño charco de agua clara y una fuente burbujeante. Mirando a tu alrededor, ve que hay lugares confortables para sentarte y descansar, tal vez almohadones lujosos en los que puedes relajarte mientras sumerges los dedos en el agua fresca. Pacífica, ¿no lo es? ¿Qué más podrías ver, oír, oler, saborear, o sentir?

Este pabellón probablemente fue solo una pequeña parte de un jardín elaborado y formal en el norte de la India. Estos tipos de espacios al aire libre brindan descanso del calor y del ruido de la vida cotidiana al brindar sombra y un lugar tranquilo para sentarse y relajarse. Pabellones como este eran para uso privado de nobles ricos.

La cuenca en el centro del pabellón habría tenido una vez agua refrescante y la fuente en su centro, ahora desaparecida, habría sido alimentada por un elaborado sistema de obras hidráulicas impulsadas por gravedad.

El pabellón también habría tenido un techo, tal vez con una plataforma de observación. ¿Te das cuenta de los anillos de latón que se ejecutan alrededor de la parte superior de la estructura? Estos habrían sostenido una tela gruesa como una alfombra que podría enrollarse para proporcionar sombra. Los propios anillos emergen de los cuellos de los makaras, criaturas parecidas al cocodrilo de la mitología india.

Ahora volvamos al peso. La mayor parte de la estructura está hecha de mármol blanco, y como mencionamos al principio, pesa alrededor de 27 toneladas. Esto es mucho peso para una galería, pero no te preocupes, ¡el piso de abajo está reforzado para soporte!

Cuando el museo compró el pabellón en 2005, ¡estaba en más de 1000 piezas! Llevó casi cuatro años completar la restauración y conservación. Además, se necesitaron ocho meses adicionales para que la galería se preparara y el pabellón se montara e instaló como se ve hoy. Mira el video de lapso de tiempo del pabellón cuando lo instalaron.

Punch Bowl with Three Ladles (Ponchera Tiffany), Tiffany Glass & Decorating Company

¿Te sorprende escuchar que este bol es un medallista de oro?

Tómate un momento para imaginarte si serías dueño de esta obra. ¿Qué harías con él? ¿Lo usarías o simplemente lo mantendrías en exhibición para la decoración? ¿Dónde lo guardarías?

Por loco que parezca, esta ponchera fue diseñada para ser completamente funcional. Esos cucharones colgantes estaban destinados para servir. ¿Te imaginas bebiendo de esta ponchera?

Esta ponchera fue creada en un estilo conocido como Art Nouveau. Los artistas de Art Nouveau transformaron los objetos útiles cotidianos en algo decorativo, y fueron muy influenciados por la naturaleza. Mira de cerca el tazón de nuevo, y aprovecha la oportunidad para caminar alrededor de él. ¿Qué elementos de la naturaleza notas?

Tal vez viste caracoles de mar, olas, tal vez espuma de mar también. Todos estos estaban diseñados a recordar al espectador del océano. ¿En qué te hacen pensar los colores? Tal vez el remolino de los suaves pasteles en el cristal te recuerdan un amanecer o un atardecer, o incluso el delicado y suave interior de un caracol de mar. Tal vez notaste algo que se parece a los tentáculos del pulpo cerca de la base.

Esta ponchera fue hecha por Tiffany Glass and Decorating Company, nombrado por su propietario y diseñador jefe, Louis Comfort Tiffany. Tiffany era él hombre con las ideas y diseños, pero otros artesanos realmente hicieron esta pieza.

Esta pieza fue hecha originalmente para exhibición pública en la Feria Mundial de París en 1900. Fue diseñada para mostrar la experiencia de la compañía y para traer el reconocimiento internacional a la firma Tiffany.

La Feria Mundial fue una oportunidad para celebrar y exhibir el arte, la arquitectura, y la tecnología. En esta feria en particular de 1900, ¡las películas parlantes, la escalera mecánica, y la vuelta al mundo más alta del mundo hicieron su primera aparición! Los objetos exhibidos en la feria mundial fueron considerados los mejores de su tipo; piezas ejemplares que demostraron logros creativos y técnicos.

La exhibición de Tiffany recibió un gran premio: una medalla de oro, e hizo a la compañía muy famosa.